Música e Poética

Hail, gladdening light!*

2012-04-28T20:45:00.001-03:00

Today we are celebrating the choral excellence of Dr. Kenneth Fulton, a man whose career as a professor, conductor, researcher, and music maker has touched and changed many lives. My life is one such example. There are two distinct periods in my life: the time before I arrived in the United States and the time after the four years I spent here. During those four years at LSU Dr. Kenneth Fulton was the most important influence in my thinking about music, myself, teaching and education. Because of his teaching and passion for music, I know I’m a stronger professor, a fine musician, and a better human being.

One of the most remarkable experiences during my time at LSU was in the summer of 2001. I was taking Contemporary Choral Literature and I had to present a seminar on Penderecki’s St. Luke Passion. I was scared and afraid because that was my first seminar here at LSU. For those of you not familiar with that piece, it is one of the most important works written in the twentieth century. It is a very long piece, rich in details and very intricate. In addition to these musical issues, I also had the language barrier. I tried, unsuccessfully, to escape from the very hard task of preparing a seminar on the piece. Besides ignoring my complaints, Dr. Fulton encouraged and supported me on the challenge. I spent many hours analyzing that piece, relating music to text, as well as evaluating some tonal aspects never discussed before. It was an experience of a life time – as you told me it would be.

Dr. Fulton, your legacy extends far beyond the United States. You saw that first hand when you came to Brazil last year. As you mentioned to me, my students have some kind of fire in their eyes, a passion for knowledge and music. That is because of you. You taught me to love music even more.

I am grateful to you for all the hours of consultation, meetings, comments, suggestions, professionalism, and friendship while I was at LSU. Unquestionably, you made LSU an unparalleled experience. And your commitment to music and your former students doesn’t end when we graduate and leave LSU. I will continue to value your advice as a colleague as I build a vigorous/energetic/robust choral program at my university in Brazil. I am honored you are part of my development as a professor and musician. I hope to follow your example of teaching students to become ambassadors of music so they in turn will share their love of music with others just as you have done.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

*This text was originally presented on April 21, 2012 during the ceremonies in honor of the choral excellence of Dr. Kenneth Fulton, a lifetime of music-making. Hail, gladdening light (Charles Wood, 1866-1926) is one of his favorite pieces. To watch the video of the concert, visit http://www.ustream.tv/recorded/22056381 I would like to thanks Pam Kaster for revising the text.

Repertório para coro infanto-juvenil

2012-04-20T14:32:00.001-03:00

A FUNARTE lançou uma nova série para coro infanto-juvenil com as seguintes composições: Dúvidas (André Protasio), Bolocochê (André Vidal), Por entre os quintais (Aurélio Melo), Água (Cadmo Fausto), Adultos e crianças (Danilo Guanais), Alegria (Thelma Chan), Receita de alegria (Vinicius Carneiro) e Fábula (en)cantada, de minha autoria. As obras foram concebidas com o intuito de ampliar o repertório infanto-juvenil, apresentando composições, a cappella e com acompanhamento, acessíveis para a grande maioria dos grupos brasileiros.

Esta fábula aborda o comportamento humano, ressaltando os perigos e as consequências das ações insensatas e imprudentes. A obra foi escrita para coro infantil a duas vozes e com acompanhamento instrumental, formado por piano e dois instrumentos melódicos, sendo um grave e outro agudo, que, na partitura, estão indicados como oboé e violoncelo, respectivamente. No entanto, tendo em vista as dificuldades que muitos grupos poderão encontrar, deve-se, em caso de necessidade, substituir o oboé e o violoncelo por outros instrumentos melódicos com características similares. O piano também pode ser substituído por um teclado eletrônico. Quando não for possível executar a parte do piano tal como ela se apresenta, o pianista poderá tomar como referência as cifras, que definem a sintaxe harmônica da composição. Do mesmo modo, um violão poderá ser acrescentado na inexistência do piano ou do teclado. A obra está dividida em três seções, cujos afetos são definidos harmonicamente. A primeira seção, em dó maior, introduz o tema da história e o verso inicial pode ser cantado por um solista ou pequeno grupo de cantores. A ideia é criar um ambiente narrativo num estilo quase recitativo. A seção intermediária, em dó menor, é mais dramática, ritmicamente intensa e caracterizada pelo diálogo entre vozes e instrumentos. A última seção, em dó maior, retoma o lirismo da introdução, apresentando a moral de cada verso e da fábula como um todo. A extensão vocal é cômoda (Dó3–Ré4) e a melodia, que é predominantemente diatônica e por graus conjuntos, está diretamente vinculada ao texto.

Durante o processo de preparação e interpretação, o regente poderá desenvolver trabalhos interdisciplinares, expandindo o campo de conhecimento do aluno, promovendo a interação da música com outras áreas, visto que esta história pode ser o ponto de partida para vários estudos e reflexões. Sempre que possível, e com muita discrição, deve-se recorrer aos recursos cênicos, representando os diferentes momentos da trama, que ganhará mais expressividade com o auxílio da cenografia e dos adereços.

A estreia da obra ocorreu no encerramento do Painel FUNARTE de Regência Coral realizado em Vassouras-RJ, ano passado. Para baixar as composições gratuitamente, basta visitar o site do Projeto Coral (http://www.funarte.gov.br/projetocoral/?page_id=272).

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Ô abre alas...

2012-02-16T21:45:00.000-03:00

Uma poeira branca invadia a Rua das Imbiras nas manhãs de carnaval por conta da brincadeira do mela-mela. As crianças mais habilidosas, além da caixa amarela de Maizena e do talco Pom-Pom, portavam também poderosas lanças, armas construídas artesanalmente com canos de PVC, com um êmbolo feito de cabo de vassoura e sandálias Havaianas, que serviam como bombas para sugar e esguichar água em todos os passantes que ousavam cruzar aquele campo de guerra estreito e esburacado. A algazarra era grande quando um desavisado caia nas armadilhas que aprontávamos. Às vezes, o clima ficava levemente tenso, sobretudo quando alguém se chateava com a sujeira e a imundície espalhadas pelo corpo ou quando rivalizávamos com a turma dos Coqueiros de Zé Rodrigues.

Defronte à minha casa, alguns escutavam os sambas do sudeste; à esquerda, os trios baianos; à direita, os frevos de Claudionor Germano e Capiba, madeira de lei que o cupim não rói. O som percutido da La Ursa e dos Bois Novinho e Tungão completavam a heterofonia. Quando os grupos passavam, todos paravam para ver. Meus pais ofereciam moedas para que o boi dançasse em frente à nossa casa. Gradualmente aquele ostinato rítmico se tornava mais intenso, contagiando a todos. O cavalo-marinho, aqui denominado “Veia da Bundona”, dançava e perseguia os mais assustados, que fugiam sem rumo. Os papangus também eram temidos.

As matinês na AABB e no Clube Paulistano eram concorridas. Os salões ficavam lotados com famílias de todos os recantos da cidade. Quando as primeiras notas do frevo Vassourinhas soavam, o grito da multidão ecoava longe. Vovó Nuca, com muita paciência, passava horas tentando persuadir o homem da portaria a nos deixar entrar gratuitamente. Ela alegava que não tínhamos dinheiro e que Tio Lauro, o filho dela que era garçom, estava trabalhando ali, naquele dia, no bar do clube. Ela sempre conseguia, porque seus argumentos eram imbatíveis. Quando o baile terminava, no início da noite, era hora de assistir aos desfiles das troças, blocos e escolas de samba na Maciel Pinheiro, na João Pessoa ou às margens do Açude Velho, onde também transitavam pessoas travestidas de todos os tipos. Certa vez, coloquei na cabeça uma vassoura de palha com um cartaz, dizendo: doido varrido. É verdade! Todo louco tem uma mania.

Com a inauguração dos eventos religiosos na Rainha da Borborema e o acidente que vitimou meu primo Flávio, filho do Tio Lauro, nesta época do ano, o silêncio fez morada, emudecendo as festas pagãs. Hoje o boi passou por aqui. Meus filhos, olhos e corações eufóricos, entraram em casa, vestiram a fantasia e seguiram o cortejo, irônicos, como quem abre alas, reinventando as folias de momo, do destino e da vida.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Sobre o espanto

2012-02-10T22:28:00.000-03:00

Sempre que viajo, exploro caminhos diversos, estradas retas, seguras e planas, outras sinuosas, cheias de subidas e descidas. Se o caminho é desconhecido, a atenção é dobrada, pois qualquer erro pode ser fatal. Por isso, tento obter informações sobre a trafegabilidade das rotas. Já quando ando por trajetos conhecidos, a sensação de segurança é maior, porque, de certa forma, reconheço o porvir atrás de cada montanha, no fim de cada reta. O percurso passa a ser uma redescoberta. As paisagens, por conta da luz do sol ou do brilho da lua, da vida que brota com a chuva ou da morte que chega com a seca, ganham novos contornos, adquirem outros sentidos, me levam a pensar sobre a transitoriedade do olhar.

Assim também ocorre com a música. Quando me deparo com uma nova obra, preciso estudá-la, ouvi-la. Procuro encontrar pontos de referência, compreender a sua estrutura, elaborar uma proposta interpretativa fundamentada em parâmetros técnicos, físicos, psicológicos, auditivos. Com o repertório habitual, a tarefa é mais desafiadora, pois é necessário remover preconceitos, transpor as fronteiras de uma intimidade viciada, quase caduca. Para descobrir significados latentes, mas ainda não revelados, releio as composições pausadamente. Busco os detalhes rítmicos, melódicos, harmônicos, como se dá a relação entre texto e música, dinâmica, articulação e andamento. Quero os elementos outrora despercebidos e ignorados, mas que, agora, chegam à superfície, potencializando as múltiplas faces do objeto.

Todas as vezes que ando por estradas familiares, reencontro um velho amigo, releio um livro, revejo um filme ou reinterpreto uma composição, espero ansioso pelo momento do sobressalto, quando, de repente, terei a chance de encontrar a novidade. É neste instante que o espanto toma conta dos meus olhos, invade meus ouvidos, alegra meu coração. O deslumbramento impulsiona o gesto criador, a fruição estética, dinamizando a minha percepção da arte, da música, do belo, do outro, da vida.

Recentemente, ao visitar o Meio Norte do Brasil, fui surpreendido de diversas formas. Primeiro, ao reencontrar os integrantes do meu antigo coro, conversando e cantando, sorrindo e chorando, revivendo emoções passadas e presentes. Depois, passeando por outras paragens, ao descobrir Maramar, uma pequena vila de pescadores no limite leste do estreito e admirável litoral piauiense. Ali, onde os habitantes ainda vivem de forma simples e pacata, tive a oportunidade de me reinventar, afastado dos ruídos do mundo interior e exterior. Assombrado com o silêncio dos tempos, ouvi o rugido do mar, senti o vento forte no rosto, testemunhei o movimento das dunas, o encontro do rio com o mar, selado com um beijo longo, demorado e buliçoso, como o vai-e-vem dos amantes, que brincam perdidos no breu das noites estreladas, naquele pedaço do paraíso.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

O poder da educação e do amor

2012-01-16T13:45:00.000-03:00

Eu o conheci há alguns anos. Ele foi meu aluno no curso de graduação em música. Suas atitudes chamavam a minha atenção. Parecia estar sempre despreparado, visto que entregava os exercícios incompletos, interrompia as aulas com perguntas inadequadas, gargalhava importunamente. Passei algum tempo para compreender que tal comportamento era conseqüência dos vários problemas que afetavam a vida daquele estudante.

Seus gestos e hábitos mudaram com a timidez das luas minguantes. O esforço era nítido. Passou a frequentar as aulas assiduamente, trazendo livros, textos e tarefas organizadas. Convidei-o para ingressar no coro que estava dirigindo, porque sabia que a prática coral seria decisiva naquele processo de aprendizagem musical e resgate da auto-estima. Ele aceitou a proposta e integrou-se ao grupo, participando dos ensaios e apresentações frequentemente, solfejando, cantando, ampliando seu círculo de amizade, superando limites e medos, vivendo ativamente os vários encontros e momentos de integração social, cultural e afetiva. Os colegas, professores e familiares perceberam as diferenças. Certo dia fui interpelado por suas irmãs, que me contaram um pouco da vida dele e das mudanças ocorridas desde o seu ingresso no coro. Agradeceram-me, falaram em milagres, que Deus usara o meu trabalho para converter um destino, salvar uma vida. Naquele terreno movediço, tentei ser imparcial escutando um testemunho comovente, procurando entender a força da fé e os sigilos que habitam o hiato entre o céu e a terra.

No tempo certo, chegada a hora da partida, troquei o calor da Chapada pelo frio da Serra. Trouxe no peito as marcas de uma trajetória intensa, uma saudade dolente e a certeza de que, à semelhança do poeta, continuaria cuidando daqueles que cativei. Distanciei-me das minhas benquerenças temporariamente, pois o silêncio é um bálsamo para as dores incomensuráveis. Numa manhã ensolarada, abro o email e vejo uma mensagem do meu aluno. Ele fala com entusiasmo dos seus avanços, do curso de flauta doce e violino, da aprovação nas aulas de Linguagem e Estruturação Musical, da dura realidade do estágio docente nas escolas públicas, das expectativas de emprego e da experiência de cantar, numa igreja qualquer, durante a Semana Santa, o primeiro solo da vida, o salmo responsorial, naquela que simbolicamente também poderia ser considerada a celebração da sua Páscoa. Aleluias.

Há poucos dias ele me enviou o seu convite de formatura. Fiquei imaginando a feliz sensação do dever cumprido estampada no rosto dele, dos amigos e da família. Celebremos, portanto, a alegria do agora, porque a desafiadora história deste aluno – e de tantos outros – ilumina o horizonte das minhas memórias, dá sentido à minha práxis pedagógica, ratifica a função catártica da arte, a força transformadora da música, os aspectos poéticos e proféticos da missão que abracei, o poder libertador da educação e do amor.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

A despedida

2011-11-21T10:07:00.002-03:00

O dia amanheceu. As cores invadiram o horizonte, acentuando a sua exuberância. No jardim, begônias, gerânios e antúrios, tão belos e frágeis, aguardam sedentos. A água escorre por entre os vasos. Formigas começam a caminhar. Nos troncos inertes, colônias de cogumelos e orquídeas vaidosas. Elas exibem longos pendões recheados com minúsculas pétalas que parecem gotículas de ouro. Borboletas e marimbondos dividem o néctar dos hibiscos alaranjados e rosas. Embaixo das longas folhas das samambaias, zunzum e vaivém de vultos. São os duendes, que cantam silenciosamente. Nestes tempos de feromônio abundante, a joaninha, com seu vestido vermelho, tal qual uma dançarina de tango, caminha faceira sobre um caule suculento à procura do seu parceiro ou, quem sabe, de um beijo-de-frade, enquanto, no subsolo, as minhocas fecundam a terra, deixando-a mais úmida e grávida de desejos. Sortilégios, sacrilégios e licenciosidades primaveris.

Caminho sem destino. Nas curvas da cidade, na avenida principal, à sombra dos ipês, que despertam tardiamente, tapetes coloridos dançam ao som do vento que passa, rodopiando num moto continuum. Ao cruzá-los, folhas, flores e frutos espalham por todos os cantos aromas secretos, intensificando a volúpia e a doçura do cio da terra e dos homens. Olhos, nariz e boca captam a beleza efêmera daquele instante que as mãos e os versos, ansiosamente, tentam decifrar e registrar.

É meio-dia. Subo uma ladeira. Do alto de uma bela vista, o espelho d’água fervilha com o calor do sol, iluminando os pequenos montes que demarcam os limites de um lugar qualquer. Bougainvilles e flamboyants quebram a hegemonia daquela paisagem quase monocromática, indicando caminhos e labirintos ainda não desvendados. Ao longe, as silhuetas dos pescadores, que lançam suas redes à procura dos peixes de outrora, se inserem naquele cenário como personagens de um teatro de sombras. Atrás daqueles gestos e véus, tudo é movimento, indefinição.

Volto para casa ao entardecer. A lua surge por entre as palmeiras às margens do lago represado. Aquele corpo cintilante, madrepérola, destaca-se no firmamento ainda azul. Bruxas e fadas, que em noite de lua cheia aguçam os sentidos farejando a essência das coisas e dos seres, curvam-se perante majestosa presença. Imóveis, todos contemplam a hóstia celeste, um extasiante farol no céu da cidade em festa. No rádio, anunciam, solenemente, a hora do ângelus. A maviosa voz de Stevie Wonder preenche o hiato entre a terra e o espaço com a melodia e os acordes de Bach e Gounod, levando consigo muitos segredos. Subitamente, uma luz verde aparece. Buzinas e roncos de motores me despertam. Saio, seguindo o vento e a canção, percebendo as permanências e transitoriedades, a acidez e a doçura da natureza, da vida e do coração neste fim de estação.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Canto do povo de um lugar

2011-10-09T18:07:00.001-03:00

O Painel FUNARTE de Regência Coral realizado em Vassouras, Rio de Janeiro, teve como parceiro o Programa de Integração pela Música (www.pim-org.com), contando com a participação de vários alunos de diversas cidades daquela região fluminense, bem como de outros estados, dentre os quais Minas Gerais e Paraíba. Ao meu lado, na equipe docente, estavam Gisele Cruz e Mário César, ambos de São Paulo. Juntos, trabalhamos sob a liderança da professora Maria José Queiroz, a grande gestora e também defensora deste importante projeto.

Como em todos os outros Painéis, recebemos alunos e profissionais da área de música, engajados em diferentes contextos, assim como pessoas sem nenhuma experiência. Abordamos conteúdos variados, sempre numa perspectiva pragmática, incluindo técnica vocal, cuidados com a voz, seleção de repertório, gestual para a regência, classificação vocal e organização e metodologia do ensaio. Um ponto recorrente nas nossas discussões foram os aspectos sociais, educacionais e artísticos da prática coral, sobretudo em virtude da Lei 11.769/2008, que trata da obrigatoriedade do ensino de música em todos os níveis da educação básica.

As canções brasileiras, portuguesas e africanas que interpretamos naquela semana exploraram vários aspectos do fazer musical, ressaltando, ao mesmo tempo, a estreita relação entre corpo, movimento e som, assim como os laços entre música e história, tão bem preservados no patrimônio arquitetônico e na memória daquela cidade, outrora chamada Princesinha do Café e Cidade dos Barões. Tivemos a oportunidade de cantar a cappella e com acompanhamento, em uníssono e polifonicamente. Usamos percussão corporal para criar efeitos e ressaltar os elementos expressivos do texto musical e poético. Compomos coletivamente, usando como base a escala pentatônica e os sons e ruídos do ambiente. Assim, brincamos com o passado e o presente; com o uivo do vento, que se move nas entranhas das serras; com o chiado das vassouras de palha, que limparam o assoalho daquelas ruas estreitas por onde escravos e nobres caminharam; com o apito da velha Maria Fumaça, subindo e descendo ladeiras, transportando a riqueza dos cafezais; com o badalar dos sinos da imponente igreja matriz, rodeada por centenárias palmeiras imperiais, no alto do morro, no coração da cidade.

Conforme decidimos no primeiro semestre, na reunião de planejamento com toda a equipe, registramos os encontros, os ensaios, o processo criativo e os depoimentos dos participantes. Este material será utilizado na montagem de um Painel virtual, contendo as experiências realizadas em Campo Grande-MS, Vassouras-RJ e Quixadá-CE, e ficará à disposição do público no site da FUNARTE (www.funarte.gov.br/projetocoral). Nossa meta, com este trabalho, é retratar diferentes ambientes e paisagens sonoras, as múltiplas faces do canto coral brasileiro, o canto do povo de um lugar.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

O reencontro

2011-09-02T07:45:00.003-03:00

Minha antiga professora de português estava sentada no banco da praça, despercebida, espiando o sobe e desce das ruas. Fiquei surpreso quando a avistei. Parei. Cautelosamente, dirigi-lhe a palavra, evitando assustá-la, sem esperar que me reconhecesse repentinamente, afinal a última vez que nos vimos foi há mais de três décadas.

Boa tarde, professora. Foi assim que iniciei a conversa. Ela me olhou com espanto, querendo saber quem era aquele estranho. Depois, atendeu-me com a simpatia de sempre, lábios encarnados, tal como nos anos em que assistia às suas aulas no Colégio Estadual. Identifiquei-me. Contei-lhe que fora seu aluno e que, quase todos os dias, no início da tarde, a esperava naquela praça. (Era com ela que eu seguia de carona até a escola, economizando o dinheiro da condução para comprar os livros da coleção Para Gostar de Ler, recheada com crônicas de Braga, Sabino, Veríssimo e Drummond.) Falei-lhe do fusca verde-abacate, bem conservado, que ela cuidadosamente conduzia. Ela me interrompeu, lembrando que possuíra três fuscas: um era azul; o outro, bege; o último foi esse aí, que você andou.

Na mesma hora, senti a fragrância marcante do seu perfume invadindo aquele carro, nos envolvendo nesta ambiência misteriosa dos aromas. Era o mesmo bálsamo que Vovó usava. Lentamente, as histórias chegavam num turbilhão de sensações e emoções. Lembrei-me de Daninha, minha tia-avó, que zelosamente, na Semana da Pátria, colocava duas fitas, uma verde e outra amarela, no bolso da minha farda caqui. Revi o diretor do Estadual tecendo explicações sobre a história do Brasil, no pátio da escola, antes da execução dos hinos Nacional e da Independência. Ouvi o eco distante do som da minha inseparável flauta doce, que levava todos os dias para animar os colegas na hora do recreio. Recordei, com toda a intensidade daquele instante, o dia no qual a professora me pediu para ler, em voz alta e na frente da turma, a fábula O caracol e a pitanga, de Millôr Fernandes, que narra a história de um caracol que deseja alcançar o cume da pitangueira, mas é desencorajado por uma formiga-maluca, “dessas que vão e vêm mais rápidas que um coelho de desenho animado”.

Certamente, naquele breve reencontro, ela também vasculhou fatos entre as sombras das suas memórias, quase todas perdidas no lusco-fusco do tempo. Reticências. Uma janela, ao longe, abriu-se e fechou-se. A minha velha mestra continua alegre, elegante, tranquila. Passa o tempo naquele não-lugar, observando o mundo, embaixo dos arvoredos enrugados e escurecidos que um dia me abrigaram. Percebendo a urgência dos meus gestos e a inquietação dos meus filhos, despediu-se sorrindo, feliz, parafraseando Millôr: Vá indo, sem pressa. Quando chegar lá em cima, quem sabe, vai ser tempo de pitanga.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Guia Prático

2011-07-28T22:37:00.002-03:00

A Academia Brasileira de Música (www.abmusica.org.br) e a FUNARTE (www.funarte.gov.br) publicaram, em 2009, o Guia Prático para a Educação Artística e Musical, de Heitor Villa-Lobos. Conforme descrito no preâmbulo do primeiro volume, muitos fatores contribuíram para o (re) lançamento da obra, dentre os quais: 1) a obrigatoriedade do ensino de música na escola (Lei 11.769, de 2008); 2) a celebração, em 2009, dos 50 anos de morte de Villa-Lobos; e 3) os projetos editoriais da ABM.

A edição bilíngue, dividida em quatro partes, é sofisticada, apresentando textos técnicos assinados por Manoel Aranha Corrêa do Lago, Sérgio Barboza e Maria Clara Barbosa. As fotografias impressas nas capas e contracapas são documentos raros, que revelam um pouco da magnitude do projeto político, pedagógico e artístico liderado por Villa. A idéia inicial do compositor era publicar seis volumes com assuntos diferentes, incluindo, dentre outros, cantigas infantis, hinos, canções escolares, música litúrgica e com temas ameríndios, africanos e americanos. No entanto, apenas o primeiro volume foi publicado, contendo 137 peças, fundamentalmente obras do cancioneiro infantil, sendo 58 para coro a cappella (uma, duas, três e/ou quatro vozes) e 79 para canto com acompanhamento (piano, conjunto instrumental) e/ou piano solo.

As canções, presentes no inconsciente musical brasileiro, são fáceis de assimilar e estão escritas numa região cômoda para todas as categorias vocais. Nas obras com acompanhamento, por exemplo, as passagens mais complexas, tanto sob a perspectiva harmônica quanto rítmica, são reservadas para o conjunto instrumental, que é indeterminado, ad libitum. Este é, certamente, um dos aspectos mais relevantes da coletânea, visto que o regente/educador poderá combinar vozes e/ou instrumentos de acordo com os recursos disponíveis. Segundo os editores, as canções que integram o Guia Prático advém das coletas realizadas por Villa-Lobos e sua equipe e, mais especificamente, de vários outros documentos musicais, dentre os quais o Ensaio sobre a música brasileira (Mário de Andrade, 1928); A Música no Brasil (Guilherme T. Pereira de Melo, 1908); Ciranda, cirandinha – coleção de cantigas populares e brinquedos (João Gomes Júnior e João Batista Julião, 1924); e Os nossos brinquedos – contribuição para o folclore brasileiro (Alexina Magalhães Pinto, 1909).

O Guia é uma excelente fonte para a pesquisa de repertório, razão pela qual é uma antologia indispensável na biblioteca de qualquer escola e de todo regente. As obras, acessíveis a grande maioria dos nossos coros, podem ser interpretadas por grupos de vozes afins e/ou mistos, de diferentes faixas etárias, inseridos nos mais variados contextos sociais, educacionais e artísticos. Esta versão do estudo folclórico musical de Villa-Lobos, valiosa e atual, resgata elementos importantes da nossa história, contribuindo para a preservação e a divulgação do patrimônio cultural e da memória musical brasileira.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Aquarela

2011-07-18T13:23:00.001-03:00

No início dos anos oitenta, a paisagem do entorno do Açude Novo foi completamente alterada com a urbanização da Rua das Imbiras, dos Coqueiros de Zé Rodrigues e a construção do Parque do Povo. A inauguração do Centro Cultural, no coração da cidade, possibilitou o acesso de inúmeros jovens ao mundo da arte e da literatura, sobretudo com a instalação da Fundação Artístico-Cultural Manuel Bandeira (FACMA) naquele complexo educacional.

Os cursos oferecidos pela FACMA eram muito concorridos. A clientela que, por exemplo, participava das aulas de redação, recebendo a orientação de Angelina Duarte, Graças Reis e Thelma Cartaxo, era formada principalmente por alunos das escolas públicas estaduais. Foi ali, naquele espaço onde hoje funciona a sala de dança, que tive, pela primeira vez, contato com a obra de grandes escritores da nossa literatura. Nos encontros semanais, líamos e estudávamos materiais diversos, que usávamos como base para a construção de novos textos e poemas. Quando nos debruçávamos sobre o rico corpus da música popular brasileira, analisando as canções de Chico, Milton e Tom, também cantávamos, a cappella e/ou acompanhados por um violão, vivenciando um intenso processo intersemiótico.

Certo dia, quando estávamos dissecando a canção Aquarela, àquela época mais um sucesso da dupla Toquinho e Vinicius, alguém me convidou para ingressar no Facmadrigal, o coro da Fundação. Devo confessar que fui para o ensaio sem muitas pretensões. No entanto, quando ouvi o grupo, fui seduzido pela magia e pelo mistério da polifonia vocal. Senti que todo o meu ser ansiava por aquele momento há bastante tempo. Ingressei no naipe dos tenores e lentamente me vi envolvido naquela trama física, afetiva, sonora, espiritual. Interpretávamos de tudo, incluindo música sacra e popular, que o maestro Sérgio Telles arranjava com muito zelo, pensando no conjunto de cantores e amigos.

O Facmadrigal foi minha primeira escola. Os anos que passei por lá foram muito importantes, pois adquiri valores que foram essenciais para a minha trajetória. Lembro-me que, durante um ensaio, num momento de descontração, comecei a brincar, balançando os braços em todas as direções, tentando imitar o maestro, regendo uma das peças do nosso repertório. Os meus gestos burlescos, além de provocarem o riso dos colegas, chamaram a atenção do regente, que, à distância e escondido, me observava e, depois de olhar atentamente aquela encenação, me nomeou seu assistente. Desde então, e à semelhança do que ocorrera com o bairro São José, tudo mudou. Passei a viver entre a alternância e a permanência, a ruptura e a conciliação, o singular e o plural, o medo e a ousadia, trilhando caminhos, construindo pontes, ouvindo vozes, pintando paisagens luminosas, transparentes e suaves como as matizes de uma aquarela que, tenho certeza, jamais descolorirá.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

O Festival e o riso

2011-07-13T10:47:00.001-03:00

O segundo Festival Internacional de Música de Campina Grande foi um sucesso. E o êxito do evento pode ser atribuído a vários fatores, dentre os quais o comprometimento da Universidade Federal de Campina Grande e da Universidade Estadual da Paraíba, o apoio de diversos setores da iniciativa privada, o engajamento da equipe de produção e a integração dos alunos e professores.

Durante uma semana, tivemos o prazer de conviver com mais de duzentos alunos e professores de diferentes estados e países. Ao longo dos dez concertos realizados nas dependências do recém inaugurado Teatro Municipal Severino Cabral foram interpretadas mais de sessenta obras, música vocal, instrumental, sacra, secular, para solista e/ou grupos de câmara. A cada noite o público era surpreendido com as performances dos artistas convidados. Foi assim no concerto de abertura; na apresentação do Coro de Câmara, da Universidade Federal de Campina Grande; na noite dedicada ao compositor Franz Liszt, oportunidade na qual os virtuosos pianistas reinaram soberanamente; na estreia do Quinteto de Sopros da Paraíba; e no concerto de encerramento, quando o Coro e a Orquestra do Festival interpretaram, sob forte comoção, o Requiem para um trombone, do compositor Eli-Eri Moura.

As noites frias da Rainha da Borborema foram aquecidas com os aplausos calorosos e amáveis das mais de sete mil pessoas que lotaram as dependências do Municipal. As enormes filas na porta de entrada daquele templo e a quantidade de pessoas sentadas nos corredores e laterais do Teatro anunciavam uma nova era para a música no cenário estadual e a consolidação do evento no âmbito regional e (inter) nacional. Os milhares de acessos à página do Festival na internet (www.festival.musica.ufcg.edu.br) comprovam a existência de um vasto público interessado na arte musical, o que deveria incitar a implementação de políticas públicas neste sentido.

Festival é sinônimo de encontro, celebração e alegria. Por isso, nestes dias, o frescor e o contentamento se espalharam pelo céu da Serra, intensificando o seu brilho, ratificando, mais uma vez, o espírito empreendedor desta cidade, a sua bravura, a sua vocação para as artes. O espírito leve e jovial, as mentes e os corações abertos de todos aqueles que fizeram esta segunda edição do Festival invadiram a UFCG, a UEPB e a Casa de Seu Cabral, contagiando a plateia, favorecendo a conjunção da poesia com a música, do novo com o velho, da periferia com o centro, do universal com o regional, da vida com a arte. Os resultados alcançados nos ensinam que estamos no caminho certo, que precisamos de outras provocações, novos desafios, e, sobretudo, felicidade em abundância, pois, como assinala Caio Fernando Abreu, só o riso resiste a todas as ciladas do tempo.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

II Festival Internacional de Música de Campina Grande

2011-05-15T19:09:00.008-03:00

Está no ar a página do II Festival Internacional de Música de Campina Grande (www.festival.musica.ufcg.edu.br), que, este ano, acontece no período de 4 a 9 de julho. O Festival é uma promoção conjunta da Universidade Federal de Campina Grande, Universidade Estadual da Paraíba e Fundação Parque Tecnológico, contando com o apoio de diversas instituições públicas e privadas.

O corpo docente será formado pelos seguintes professores: Adriana Linares (Viola – Venezuela/EUA), Angelo Dias (Barítono – Brasil), Carlos Rieiro (Clarinete – Argentina/Brasil), David Gardner (Violoncelo – Inglaterra/Brasil), Marília Álvares (Soprano – Brasil), Karl H. Schwebel (Trompete – Brasil), Heleno Costa (Fagote – Brasil), Hye-Youn Park (Piano – Coreia/Alemanha), José Henrique Martins (Piano – Brasil), Jean Márcio (Tuba – Brasil), José Medeiros (Oboé – Brasil), Katie Kresek (Violino – EUA), Kenneth Fulton (Regência – EUA), Lemuel Guerra (Chorusmaster – Brasil), Manuel Matarrita (Piano – Costa Rica), Mario Ulloa (Violão – Brasil/Costa Rica), Mauro Bertoli (Piano – Itália/Canadá), Netanel Draiblate (Violino – Israel/EUA), Thibault Delor (Contrabaixo – França/Brasil), Renan Rezende (Flauta – Brasil), Radegundis Tavares (Trompa – Brasil), Sandoval Moreno (Trombone – Brasil) e Vladimir Silva (Regência – Brasil).

O Festival Internacional de Música é um evento sui generis no estado da Paraíba, projetando o nome da cidade e das instituições promotoras para vários cantos do país e diferentes continentes. É, portanto, uma oportunidade ímpar para intercâmbio entre profissionais e estudantes, contribuindo para expandir o mercado de trabalho dos músicos, assim como o desenvolvimento de políticas públicas voltadas para a arte e a cultura em nossa região. Este ano, o Festival acontece no Teatro Municipal Severino Cabral (http://www.teatroseverinocabral.com.br/index2.php), reinaugurado recentemente. Durante uma semana serão desenvolvidas várias atividades, incluindo aulas e concertos. A expectativa é que alunos de diversas partes do Brasil se inscrevam e que um grande público compareça para prestigiar aos espetáculos musicais, que acontecerão sempre à noite e terão entrada gratuita.

A entrega do Prêmio Radegundis Feitosa marcará o encerramento do Festival. Este prêmio será outorgado a um músico ou entidade artístico-cultural com relevante atuação no âmbito local, regional ou nacional. Para marcar a entrega do referido prêmio, o Coro e a Orquestra do Festival apresentarão o Requiem para um trombone, do compositor Eli-Eri Moura, escrito in memoriam do grande trombonista paraibano. Nesta ocasião também será feita a assinatura de um acordo de cooperação mútua entre a UFCG e a UEPB, que incluirão em seus orçamentos anuais uma verba específica para o Festival, garantindo, desta forma, sua continuidade pelos anos vindouros. Sintam-se, portanto, convidados para o nosso Festival e para conhecer as belezas da Rainha da Borborema, esta cidade que, como bem descreve Fernando Silveira, é “eterno poema, de amor à beleza, ó recanto abençoado do Brasil, onde o Cruzeiro do Sul resplandece, capital do trabalho e da paz!”

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Repensando o ensaio coral

2011-04-17T17:56:00.005-03:00

Para assegurar a plenitude do processo de ensino-aprendizagem da prática coral é fundamental que a sala de ensaios seja preparada adequadamente. Deve-se cuidar da iluminação e da ventilação, natural e artificial, pois o conforto térmico contribui para o bem-estar do coro. O tratamento acústico do espaço é determinante para o sucesso do trabalho, influenciando na realização do repertório e na sonoridade coral. O espaço físico precisa ser adequado ao tamanho do coro e às atividades que serão desenvolvidas. Cadeiras, armários, mesas, quadros, além de outros equipamentos, tais como pianos, aparelhos de som e televisão, devem ser alocados em lugares estratégicos e acessíveis.

Na sala de ensaio, os cantores devem ter à disposição partituras legíveis e bem editadas, papel em branco, lápis e borracha. Estes recursos materiais podem ser utilizados para registrar as anotações pessoais e as observações do regente. Ao contrário daquilo que comumente ocorre na prática orquestral, coralistas ainda não desenvolveram o hábito de anotar as indicações do regente na partitura. É necessário estimulá-los, explicando-lhes as razões das solicitações ou comentários, fazendo com que eles compreendam o texto poético e musical das obras. Aproveitar cada momento deste encontro de permutas e aquisição de saberes é, portanto, o princípio norteador do fazer pedagógico do regente, porque no ensaio coral ocorre um intenso processo educativo, que é dialógico e fruto da parceria entre os cantores e o regente.

Para que o ensaio se torne significativo, seria interessante substituir, gradualmente, a ineficiente prática da aprendizagem por imitação e repetição, que comumente ocorre quando o cantor reproduz acriticamente aquilo que o regente lhe oferece, por uma forma mais consciente de aquisição do conhecimento, na qual o coralista possa dar uma contribuição mais efetiva e pessoal. O cantor, nesta perspectiva, passaria a agir proativamente, enumerando compassos, marcando respirações, solfejando partes e solucionando, sempre que possível e por conta própria, os problemas rítmicos, melódicos e vocais encontrados no repertório. Estas são iniciativas importantes que deveriam ser estimuladas e incorporadas à práxis cotidiana dos nossos coros. Certamente, os ensaios se tornariam mais instigantes, pois os conteúdos e desafios impostos pelo repertório seriam superados de forma sistemática, metódica, dinâmica, eficaz.

Recitais e concertos devem ser compreendidos, portanto, como os produtos finais do trabalho desenvolvido ao longo de vários ensaios criteriosamente planejados e organizados. Tais atividades artísticas são ferramentas de avaliação importantes para a consistência da interpretação musical. No entanto, concebê-las como primordiais, como meta e objetivo exclusivos da prática coral, significa transferir o foco de atenção do processo para o produto. Que o ensaio seja, assim, entendido como construção coletiva, contando, em todas as suas etapas, com a colaboração e o engajamento de cantores e regente, favorecendo o crescimento musical, vocal, intelectual, afetivo e emocional de todos.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

A feira

2011-04-10T11:38:00.005-03:00

Sábado é dia de feira em Campina Grande. Pelas ruas da cidade, além dos campinenses, circulam aqueles que vivem no entorno da Rainha da Borborema, que se encontram para comprar e vender mercadorias, dinamizando a economia local. O trânsito fica ainda mais caótico, sobretudo onde se encontra o amplo e diversificado mercado central, que, como orgulhosamente dizem por aqui, é um dos maiores do Nordeste.

Na Vila Nova da Rainha, é possível encontrar uma grande variedade de plantas ornamentais, advindas do brejo paraibano e do agreste pernambucano. A policromia daquelas rosas e gérberas, sempre vivas, contrasta com a paisagem monocromática e inerte dos quiosques que vendem carnes e peixes. Ali, os animais eviscerados, decapitados e desossados espiam com os olhos semicerrados e bocas entreabertas, emitindo um grito silencioso, chamando a atenção para a fragilidade da condição humana, animal. Este emaranhado de gestos, olhares e odores seria o cenário perfeito para o nascimento de Jean-Baptiste Grenouille, personagem principal do filme Perfume – A história de um assassino, dirigido por Tom Tykwer.

Andando pelos becos e vielas, subindo e descendo ladeiras, ouve-se de tudo. De um lado ecoam os gritos dos vendedores e seus pregões, que Carl Orff, se ainda estivesse vivo e por aqui passasse, certamente os incluiria nos seus livros e métodos de educação musical. Do outro, o modalismo da cantoria de viola, do repente e do desafio que tanto fascinaram e influenciaram o compositor José Alberto Kaplan. Lá embaixo, na rua onde são comercializados pintos e galinhas e na qual, curiosamente, também estão localizados os bordéis, incluindo o que sobrou do Cassino Eldorado, o cabaré mais famoso e bem frequentado da cidade na primeira metade do século vinte, as radiolas tocam canções de amor de ontem e hoje.

A feira é um labirinto multisensorial, tablado de muitos conflitos, como mostrou Lourdes Ramalho na sua obra tragicômica, A Feira, já encenada diversas vezes no Brasil. Palco no qual brilharam Maria Pororoca, Carminha Vilar e Zefa Tributino, as damas do conhecido Eldorado, todas imortalizadas no Forró em Campina, de Jackson do Pandeiro, aquele ambiente mercantil evoca as práticas comerciais da Idade Moderna, o universo musical renascentista francês, a polifonia imitativa e descritiva da canção Les cris de Paris, de Clement Janequin. Assim como nA Feira de Caruaru, enaltecida pela dupla Onildo Almeida e Luiz Gonzaga, na feira de Campina, grande e sui generis como ela o é, “de tudo que há no mundo, nela tem pra vender.” Entre balaios, cores, aromas e sabores, a vida, livre como o mercado a céu aberto, é puro movimento, festa e fantasia nesta Feira de mangai, que em cada canto de rua tem um sanfoneiro fazendo floreio pra gente dançar.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Música para a Quaresma

2011-03-09T12:14:00.006-03:00

A Quaresma é o período que vai da Quarta-Feira de Cinzas até a Páscoa. Para a Igreja, este é um momento de conversão, meditação e penitência, motivo pelo qual a liturgia adquire conotações específicas, conforme descrito nos documentos eclesiásticos. O roxo é predominante nos altares e paramentos sacerdotais. Dentre os itens proibidos nas celebrações ao longo deste tempo litúrgico estão as orações e cânticos de louvor, como, por exemplo, o Gloria e o Aleluia, as flores no altar e o uso do órgão, que só é permitido nos domingos e férias para acompanhar o canto.

A literatura coral escrita para a Quaresma e para o Tríduo Pascal, que congrega as celebrações da Quinta-Feira (In Coena Domini), Sexta-feira (In Passione Et Morte Domini) e Sábado Santo (Sabbato Sancto), é muito ampla. Esta música, seja para coro a cappella ou acompanhado, pode ser inserida em diferentes contextos litúrgicos e/ou paralitúrgicos. Ela é rica em simbolismo musical, visto que os compositores captam a essência dos textos, representando os diferentes afetos e estados emocionais que eles suscitam. Esta retórica musical pode ser percebida numa simples antífona monofônica medieval, como, por exemplo, Ubi caritas, quanto nos complexos motetos de Poulenc (Timor et tremor, Vinea mea electa, Tenebrae factae sunt e Tristis est anima mea).

No Brasil, a produção de música sacra foi muito intensa durante o período Colonial-Imperial. Padre José Maurício Nunes Garcia compôs, entre 1798 e 1809, um conjunto de peças para as diferentes liturgias da Semana Santa, a maioria delas para coro misto a cappella, que foram editadas e publicadas por Cleofe Person de Matos, em 1976, no Rio de Janeiro, muitas das quais já tive a oportunidade de interpretar, a exemplo dos motetos Sepulto Domino e Domine, tu mihi lavas pedes. (Para ouvi-los, basta seguir o link www.youtube.com/watch?v=bM84wRY3rh4)

O Projeto Acervo da Música Brasileira – Restauração e Difusão de Partituras, do Museu da Música de Mariana (www.mmmariana.com.br), tem se dedicado à restauração, edição e publicação de obras preciosas da música religiosa brasileira dos séculos XVII a XX, dentre as quais aquelas escritas por Emerico Lobo de Mesquita, João de Deus Castro Lobo e Manuel Dias Oliveira. As pesquisas já deram origem a vários livros e gravações, a exemplo da coleção Matinas de Quinta-Feira Santa, do compositor mineiro Jerônimo de Souza Queiróz, interpretada pelo Conjunto Calíope e Orquestra Santa Tereza, sob a direção de Júlio Moretzsohn. A Quaresma está começando hoje. Que ao longo deste período, e independentemente da fé que professamos, possamos cantar esta literatura que é patrimônio da humanidade, ampliando o repertório dos nossos coros e enriquecendo, com beleza e lirismo, os diversos momentos da história da paixão, morte e ressurreição de Cristo.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Licores, amores e música

2011-02-06T12:20:00.007-03:00

Viçosa do Ceará está localizada na Serra do Ibiapaba, noroeste cearense, o que lhe assegura um clima ameno, com temperatura média anual entre 22º e 24º Celsius. Chegamos por lá num fim de tarde de uma terça-feira qualquer de janeiro. Fomos recebidos com névoa e frio. Subindo e descendo ladeiras, encontramos abrigo na pousada às margens do lago central, contornado por luzes de vapor de sódio, pequenos sóis no meio da paisagem monocromática e melancólica.

O patrimônio arquitetônico colonial, tombado oficialmente pelo IPHAN, narra a trajetória histórica da cidade. Nas ruas estreitas, casas e sobrados com beirais e largas janelas se destacam. Na praça onde se encontra a igreja matriz de Nossa Senhora da Assunção, o coreto silencioso preserva parte da memória musical do lugar. É por ali que se localiza o Refúgio do Ímpares, uma antiga pensão exclusiva para solteiros. No ponto mais alto da cidade está a Igreja do Céu, de onde é possível contemplar a região e mapear as trilhas ecológicas, o caminho das pedras e das águas.

A bodega de Alfredo Miranda, construída nas primeiras décadas do século vinte, é hoje a conhecida Casa dos Licores (http://www.casadoslicores.com.br/), o lugar ideal para a compra e degustação de cachaça, licores, doces, bolinhos de nata, petas e sequilhos de coco. Como tudo em Viçosa, o ambiente também é simples e acolhedor naquele casarão: os tachos de bronze pendurados nos caibros e a policromia das bebidas artesanalmente engarrafadas contrastam com a mobília envelhecida e escura. O aroma inebriante nos convida a permanecer por lá, ouvindo as histórias sobre Seu Alfredo, que, além de comerciante, fabricava e tocava pífano, ofício que aprendeu com um curumim da região, aos seis anos de idade. (Para fabricar o instrumento, ele cortava a taboca nos dias de lua cheia, dos meses sem erres - maio, junho, julho e agosto).

Hoje, com noventa e cinco anos, ele está com a memória debilitada e os movimentos limitados em virtude dos problemas de saúde. Quando não está dormindo, fica ao lado de Dona Teresinha Mapurunga, sua esposa, que fala orgulhosamente do casal que brevemente festejará as bodas de diamante. Mestre Alfredo já não lembra os nomes das pessoas, os fatos da sua vida e as tantas histórias que contou. Restou-lhe apenas o pífano quase centenário, perfeitamente afinado com as reentrâncias da madeira e do tempo, que ele continua a tocar com beleza comovente. Graças à iniciativa do Laboratório de Estudos da Oralidade, da Universidade Estadual do Ceará, segui minha viagem com o som daquele pife em meus ouvidos e coração, pois em Viçosa, e na casa de Alfredo Miranda, a vida tem o doce sabor dos licores, dos amores e da música.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Entre o ideal e o real

2011-01-28T23:40:00.005-03:00

Viajei pelo Nordeste do Brasil, aproveitando as férias com a família. Como de costume, calculei distâncias, estimei tempo e gastos. Recorri ao GPS disponível no celular, pois com ele seria possível seguir sem correr riscos de perder a meta almejada. Parti pelo interior da Paraíba em direção ao litoral cearense, andando por estradas silenciosas, encantado com a dança das pequenas borboletas amarelo-esverdeadas que cruzavam o meu caminho. Na divisa com o Rio Grande do Norte, o celular perdeu a conexão, alterando a rota do mapa, me levando à Santa Cruz, onde, no alto do Monte Carmelo, ergueram, recentemente, uma portentosa imagem de Santa Rita de Cássia.

Estava cem quilômetros distante daquilo que seria o caminho ideal. Para retomar a direção, haveria, portanto, de rever o itinerário, redefinir as estratégias. Enquanto regressava, comecei a pensar no que ocorrera, fazendo um paralelo com a nossa atividade como regentes. Nós planejamos o ensaio coral com o intuito de solucionar problemas rítmicos, melódicos, harmônicos e vocais, favorecendo a fluência musical. No entanto, mesmo estando tecnicamente preparados, continuamos reféns dos caprichos do acaso. De vez em quando, ao longo de um concerto, somos surpreendidos com desafinações, mudanças na duração e articulação das notas, pequenos atropelos antes nunca imaginados, provocados por fatores desconhecidos e que estão além do nosso domínio. Quem, por exemplo, nunca esqueceu uma entrada/corte ou se perdeu diante da partitura e, por este motivo, viu-se obrigado a adotar, como diria o professor Angelo Dias, um gestual místico, incompreensível, impressionante? Certamente, todo mundo já passou por alguma situação similar.

Há algum tempo, durante uma apresentação, o iluminador aleatoriamente acendeu um foco de luz numa intensidade diferente daquela que havíamos estabelecido no ensaio, cegando-me temporariamente. Quando mudei a direção do olhar, tentando acompanhar a partitura, não conseguia enxergar, o que quase prejudicou a atuação do conjunto. Neste momento em que a adrenalina faz o coração bater mais rápido, o mundo congela, os segundos transcorrem como uma eternidade, o prazer transforma-se em dor. Deste modo, antes das apresentações, sempre lembro aos meus alunos que, diante do inesperado, o melhor é manter o controle, respirar, conservar-se atento.

Ali, no calor escaldante do agreste potiguar, perto da santa das causas impossíveis, entrevi o real: no palco e na vida, aquilo que é planejado, por mais elaborado e consistente que seja, cede diante do imprevisível, que, como assinalaram Toquinho e Vinicius, sem pedir licença muda a nossa vida e depois convida a rir ou chorar. Desconfiado, achei melhor desligar o celular. Segui tranquilo, ouvindo o violonista Nonato Luiz. Quando necessário, parava e, sorrindo, perguntava aos moradores dos vilarejos, que conhecem e vivem na região, qual o melhor caminho a seguir.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Folias de Reis

2011-01-06T09:44:00.011-03:00

Eu nasci com os primeiros raios de sol do dia seis de janeiro. Meus pais residiam no bairro da Liberdade, numa casa simples, nos arredores da oficina mecânica onde meu pai trabalhava. Como toda família pobre do início da década de setenta, a minha também não estava completamente preparada para me receber. Os recursos financeiros eram escassos e minha mãe não adquiriu um enxoval completo para o meu nascimento. Assim, dormi durante algumas semanas dentro de uma pequena banheira plástica, que também era usada para os meus primeiros banhos.

Seis de janeiro, no calendário litúrgico católico, é dedicado aos Santos Reis, marcando, simbolicamente, o dia em que Jesus Cristo recebeu a visita dos três magos do oriente (Belchior, Gaspar e Baltazar). Como ocorre com a maioria das festas religiosas católicas, esta também caiu no gosto popular brasileiro. Aqui na Paraíba, por exemplo, desde o início do século XX, a cidade de Queimadas é conhecida por seus festejos. É por esta razão que Tia Luísa, com fala trôpega e olhos distantes, ainda hoje me explica porque não acompanhou o meu nascimento, já que havia passado a noite toda naquela cidade, participando das festividades, ao lado de Dona Júlia e Antônio Grilo.

Mas Tia Lúcia nunca deixou aquele acontecimento familiar passar em branco. Desde então, todo dia seis de janeiro, quando me vê, vai logo entoando os versos do sucesso de Tim Maia, que, à época, ela ouvia animadamente na pequena vitrola vermelha portátil: “Hoje é o dia de santo reis / anda meio esquecido / mas é dia da festa de santo reis / anda meio esquisito / mas é o dia da festa de santo reis...” Esta canção fez parte da trilha sonora dos meus aniversários durante vários anos. No entanto, demorei certo tempo para entender o sentido da celebração da epifania, isto é, a revelação, a manifestação do mistério de Deus.

Desde a minha primeira Festa de Reis, já tive a oportunidade de andar por vários lugares e conhecer muita gente. Nessas andanças, o Criador sempre esteve ao meu lado, em todas as situações, revelando-se de diferentes formas, às vezes nem sempre tão claras, através das inúmeras pessoas que encontrei. Por isso, eu só tenho motivos para agradecer à minha família, esposa e filhos; aos meus mestres, alunos e colegas de trabalho; a todos os amigos, de todos os tempos e partes, de todas as cores e credos, que cruzaram o meu caminho, que ajudaram a construir aquilo que fui, sou e serei. Meu desejo é que juntos possamos continuar, por muitos anos, celebrando outras folias, apresentando e manifestando as faces misteriosa, amorosa, misericordiosa, musical e poética de Deus.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

A reunião do Rio

2010-12-26T16:01:00.007-03:00

A FUNARTE promoveu, no início deste mês, na cidade do Rio de Janeiro, um encontro com todos os profissionais envolvidos no Painel FUNARTE de Regência Coral 2010. Este projeto, que esteve desativado por muito tempo, foi reiniciado há cerca de três anos sob o comando de Zezé Queiroz e Eduardo Lakschevitz, filho de Elza Lakschevitz, que coordenou os Painéis entre os anos setenta e oitenta. O objetivo da reunião era avaliar os cursos realizados, ao longo deste ano, nas cidades de São Carlos-SP, Mariana-MG, Ponta Grossa-PR, Cuiabá-MT e Crato-CE.

Aproximadamente vinte pessoas participaram do encontro, que foi marcado pela confluência de diferentes gerações de profissionais, representantes das cinco regiões brasileiras: eu, Izaíra Silvino e Eduardo Nóbrega (Norte/Nordeste); Sérgio de Paiva e Dorit Kolling (Centro-Oeste); Samuel Kerr, Gisele Cruz, Jane Borges, Eduardo Fernandes e Paulo Malagutti (Sudeste); e Agnes Schmelling e Lucy Schmidt (Sul). Esta diversidade cultural contribuiu para o enriquecimento das discussões que foram colocadas em pauta.

Debatemos sobre os regentes e os corais brasileiros da atualidade, identificando suas principais características, definindo, ao mesmo tempo, o perfil técnico, musical e artístico destes profissionais e seus grupos. Falamos sobre a expansão do mercado de trabalho e as possibilidades de emprego para regentes, músicos e compositores em geral. Discutimos a necessidade de realizar um recenseamento com o objetivo de levantar dados sobre o movimento coral, pois consideramos importante ter esta estimativa em mãos para que, futuramente, possamos encaminhar a elaboração de políticas públicas nesta área. Abordamos a literatura coral e trocamos idéias sobre a inclusão de arranjos e composições originalmente escritas para coro, a cappella e/ou com acompanhamento, no repertório dos nossos grupos. Destacamos a importância de divulgar as obras publicadas pela FUNARTE, sobretudo as coleções destinadas a coros juvenis e infantis (esta última será disponibilizada para o público no primeiro semestre do próximo ano). Uma boa notícia é que tudo isso estará disponível gratuitamente na internet num site que conterá partituras, áudios, textos e outros materiais relacionados à regência e ao canto coral.

O tempo foi insuficiente para que esgotássemos os temas elencados para análise naquela ocasião. No entanto, todas as propostas apresentadas foram registradas e deverão ser implementadas a curto, médio e longo prazo, na medida em que o Governo Federal estabelecer sua nova política cultural. Como membro desta equipe, e em nome dos demais colegas, agradeço a oportunidade concedida e parabenizo o Centro de Música da FUNARTE, aqui representados por Flávio Silva, Zezé Queiroz e Eduardo Lakschevitz, pela realização dos Painéis, que devem continuar no próximo ano, contemplando todas as regiões do país, contribuindo para o processo de emancipação e consolidação do canto coral brasileiro.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Concerto para o advento

2010-11-29T15:03:00.005-03:00

Era sábado, fim de tarde, quando os sinos começaram a badalar, anunciando a hora do ângelus. Vésper, a primeira estrela, já brilhava majestosa no céu escuro, enquanto dentro do Mosteiro, aquecido pelo calor das velas que reluziam nos castiçais, todos se acomodavam, silenciosamente, para aquele encontro musical/espiritual. Na parte mais alta do templo, sob o grande pórtico, o Coro Masculino da UFCG, acompanhado por um quarteto de metais, interpretava Haec est dies, de Jacob Handl, espalhando, no melhor estilo policoral, que “este é o dia que o Senhor fez. Regozijemo-nos, e alegremo-nos nele. Aleluia.”

Em seguida, o Coro em Canto cantou ao redor do templo, abraçando a plateia, fazendo com que todos se sentissem acolhidos naquele lugar simples, aconchegante, uterino, no qual a vida e os sons reverberavam harmonicamente. Os gestos de Lemuel Guerra, repletos de alegria exuberante, contagiavam o coro e os espectadores. Tudo era muito vívido e embalado pelos versos que nos falavam sobre a necessidade de manter acesa a esperança no coração e pela delicadeza das progressões harmônicas da Cantique de Jean Racine, de Gabriel Fauré.

Quando o Coro de Câmara da UFCG cantou a Ave Maria, de T. L. de Victoria, a mensagem do anjo Gabriel ecoou por toda a nave, exaltando a figura de Maria, especialmente no dia em que a Igreja celebrava a festa de Nossa Senhora das Graças. A imagem da Mãe de Deus estava ao lado do altar e no pingente que Tia Lúcia, devota da Medalha Milagrosa, trazia pendurado no pescoço. Lembrei-me da minha infância e de Dona Nuca, minha inesquecível avó, com suas novenas, terços e explicações sobre o simbolismo daquela imagem com a serpente, os raios, as doze estrelas, o coração cercado de espinhos e a cruz. Naquele momento, eu recebi a Sua benção.

De dentro da clausura, as irmãs proclamavam a Palavra, dizendo: “assim como o cervo anseia pelas águas, minha alma suspira por ti, ó Deus.” Estes versos sintetizavam a essência daquela vida reclusa, voltada para o Senhor. À medida que elas liam passagens bíblicas do Velho e do Novo Testamento, também cantavam as obras que escrevi para coro infantil/feminino, contrapondo fala e canto, luz e trevas, vida e morte. Para todas as religiosas que habitam no Mosteiro Santa Clara a noite era de festa, porque estávamos comemorando os sessenta anos de fundação da casa, porque era a nossa primeira apresentação pública, porque se tratava do início de mais um ano litúrgico. A voz feminina de Deus invadiu aquele espaço sagrado, envolvendo artistas e público, crentes de diferentes denominações, numa complexa e intensa trama polifônica, mística, divina, na qual os olhos, os ouvidos e os espíritos conheceram a Beleza que tudo transcende.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Teste e classificação vocal

2010-11-07T23:59:00.011-03:00

O processo de seleção e classificação vocal basicamente envolve duas etapas. Na primeira, realizam-se tarefas que permitem verificar a percepção auditiva, nos seus aspectos rítmicos, melódicos e harmônicos. Na segunda, analisam-se diversos parâmetros, dentre os quais, a extensão, a tessitura e o timbre. Tais elementos devem ser observados em conjunto, pois concebê-los isoladamente não é um procedimento adequado. Utilizar a extensão como único critério de avaliação pode comprometer a análise vocal, porque as vozes tecnicamente limitadas poderão ser classificadas de forma equivocada em virtude das referências associadas a esta ou aquela categoria vocal. Além de observar os limites graves e agudos da voz, a classificação deve ser feita com base no timbre de cada cantor.

A mudança de registro também oferece elementos significativos e, nesse caso, a identificação exata das notas que estabelecem tais fronteiras pode servir como uma referência auxiliar, corroborando com outros parâmetros já analisados. Certamente este é um dos pontos polêmicos na área do canto, pois as opiniões são diversificadas quanto ao significado e quantidade dos registros vocais. Fundamentalmente, o regente deve perceber quando ocorre a transição do registro grave para o médio (primo passaggio) e do médio para o agudo (secondo passaggio), bem como a zona de passagem intermediária entre estes.

O regente, ao apreciar a voz de um cantor, precisa perceber toda a potencialidade latente e antecipar, de certo modo, o vir a ser desta voz, isto é, a forma como se apresentará após o desenvolvimento de um trabalho técnico eficaz. Somente a continuação do trabalho vocal permite confirmar ou não a classificação inicial e, por isso, nenhuma classificação vocal pode estabelecer um veredicto permanente, imutável, pois a voz, ao ser (re)educada, passa por muitas transformações, sendo essencial, nesse caso, não rotulá-la com uma nomenclatura específica, mas guiá-la ao longo de um estudo que favoreça o desenvolvimento máximo sem fadiga. É função do regente e/ou do professor de canto ou técnica vocal acompanhar esse processo, porque uma classificação errada, associada ao uso inadequado numa região que extrapola a tessitura mais cômoda e conveniente, pode estimular e favorecer o surgimento de problemas vocais.

É imprescindível, portanto, observar os procedimentos deste processo e avaliar precisamente a voz de cada cantor, tomando sempre como referência a singularidade que lhe é inerente. Além dos fatores técnicos, é indispensável acrescentar outras informações relativas ao perfil psicológico, social e cultural de cada indivíduo, procurando perceber como ele constrói os seus modelos e a imagem vocal que tem de si mesmo. O momento no qual o regente seleciona os seus cantores é uma das etapas mais importantes da prática coral, pois é nesta ocasião que é definido o DNA da sonoridade de um grupo.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

A obra coral de Reginaldo Carvalho

2010-10-15T22:33:00.001-03:00

Reginaldo Carvalho (1932) nasceu na cidade de Guarabira-PB. Estudou com Villa-Lobos, Paul Le Flem e Pierre Schaeffer, tendo sido um dos pioneiros no campo da música eletroacústica brasileira, nos anos sessenta. O canto coral, contudo, foi o veículo de expressão musical mais utilizado por Reginaldo Carvalho ao longo da sua carreira como compositor e educador, razão pela qual compôs várias obras e produziu muitos arranjos, dedicando-os a diferentes corais. Ele escreveu peças com uma grande diversidade de feitios, aproveitando seus próprios textos, versos de autoria desconhecida, do cancioneiro popular regional, assim como de outros poetas brasileiros.

As composições de Reginaldo Carvalho para coro são, na sua maioria, curtas e sem muitas repetições. Algumas, à semelhança dos madrigais italianos renascentistas, são escritas de forma contínua, apresentando material rítmico, melódico e harmônico diferente em cada seção, de acordo com os versos do poema. Outras são estróficas. Geralmente, as obras são homofônicas e escritas para coro misto a quatro vozes. No entanto, ele também compôs para vozes afins. Reginaldo Carvalho tem verdadeira fascinação pela música coral a cappella, gosto que desenvolveu ainda no tempo em que estudava com os frades franciscanos, no Convento de Ipuarana, onde cantava o Gregoriano e as missas de Palestrina e Victoria. Para ele, o que deve prevalecer, em termos de canto coral, é o canto, a voz, o chamado coral a cappella, o que não quer dizer que menospreze ou tire a validade do coral com acompanhamento instrumental ou orquestral. Na verdade, é enfático quando diz que não aprecia “coral com acompanhamento instrumental, principalmente como está em moda agora, com violão, sanfona ou batucada.”

Reginaldo Carvalho compõe com simplicidade e sem populismo, dialogando abertamente com o nacional e o universal, o passado e o presente, postura interativa que permite ao compositor revisitar outros textos, evocando-os e inserindo-os dentro do seu discurso numa perspectiva dialógica. As técnicas composicionais que ele emprega abrangem múltiplas tendências, que resultam da sua formação e das preferências musicais desenvolvidas desde a infância, no ambiente familiar e escolar. Um dos aspectos mais importantes que absorveu na sua estadia em Paris foi, por exemplo, a perspectiva de manter-se sempre aberto para o novo, o eclético, jamais se fechando numa única tendência, razão pela qual não aderiu a nenhuma corrente estética composicional específica.

Recentemente, a revista Musica Hodie (UFG) publicou um estudo no qual abordo a vida e as composições de Reginaldo Carvalho. (O texto está disponível no endereço http://www.revistas.ufg.br/index.php/musica/article/view/10721) Além de divulgar a obra coral deste importante compositor, que está vivíssimo e mora em Teresina-PI, esta pesquisa pretende contribuir para a preservação da memória musical brasileira, ampliando o conhecimento dos regentes e cantores sobre a nossa música coral.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

(In)Expressividade musical

2010-10-10T12:34:00.004-03:00

Quem participa de encontros e festivais sabe que as composições originalmente escritas para coro, sejam elas a cappella ou com acompanhamento instrumental, têm sido extirpadas do repertório dos grupos, que já não interpretam obras canônicas das literaturas europeia, norte-americana e brasileira. A vasta produção vocal tem sido substituída pelos arranjos de canções populares e folclóricas.

A inclusão de arranjos no repertório de um coro tem vários aspectos positivos, dentre os quais a acessibilidade do vernáculo, que facilita a identificação sócio-cultural dos coralistas com a música e agiliza o processo de ensino-aprendizagem. No entanto, o problema surge quando os arranjos interpretados são desprovidos de senso artístico, criatividade e beleza. Uma obra musical, seja ela original ou arranjo, simples ou complexa, curta ou longa, precisa ser planejada. É necessário que o compositor/arranjador use técnicas diferentes para manipular a métrica, a melodia, a harmonia e a textura, criando, através das variações de dinâmica, tempo, andamento e articulação, momentos de tensão e repouso, os vários estágios da narrativa. Para indicar, com o máximo de precisão, todas as suas intenções musicais, aquele(a) que cria deve recorrer aos mais sofisticados recursos da notação musical, evitando a ambiguidade. Contudo, o que se constata é exatamente o oposto. Muitos dos arranjos lançados no mercado, brasileiro e internacional, excluem detalhes sutis e importantes para a interpretação musical que, em alguns casos, até comprometem a essência da obra original que lhes serviu de referência.

Essa práxis composicional, se é que se pode assim considerá-la e denominá-la, tem contribuído para banir a expressividade do contexto da prática coral. À falta de concepção musical dos arranjos alia-se a robotizada atuação dos regentes, que parecem desconhecer os princípios básicos da interpretação musical. O desempenho dos coros se restringe a um movimento corporal (dois pra lá, dois pra cá), a algumas caras e bocas e outros adereços. A sonoridade é tão linear e chapada quanto uma pintura sem perspectiva. O interesse musical inexiste porque falta a dramaticidade que é criada com os contrastes da articulação, da intensidade e do timbre. Alguns desses elementos não são indicados na partitura tampouco apontados pelo regente, que muitas vezes não sabe como criá-los a partir das idiossincrasias da obra.

Assim, os cantores vão aprendendo a cantar ignorando a dialética relação entre staccato/legato, piano/forte, crescendo/decrescendo, accelerando/ritardando, alheios ao fato de que o fraseado musical é que dá sentido aos aspectos textuais, harmônicos e melódicos de uma composição e à própria obra. Sem essa consciência do movimento interno que a música evoca, a sua fruição fica comprometida. Capta-se apenas o superficial, o efêmero. Independentemente do repertório que se interpreta, cantar sem expressão é o mesmo que, estando vivo, apenas existir, não viver.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Jovens tardes de domingo

2010-10-03T09:49:00.003-03:00

Fim de semana, na minha infância, era sinônimo de muita música. Todos os sábados, eu e meus amigos passávamos a tarde tocando flauta e violão. Empolgados, não sentíamos o tempo passar e só quando ouvíamos o badalar do sino da Capela João Moura, avisando que a missa das cinco estava para começar, que decidíamos parar. Eu saia às pressas, correndo ao encontro da minha tia-avó, Maria Ferreira, para juntos seguirmos até a igreja. Durante a celebração, esperava com certa ansiedade a hora dos cânticos, que eram anunciados nos primeiros acordes da pequena e nasalada serafina que Irmã Aldete, a madre superiora, dominava com maestria. Maria se orgulhava quando me (ou)via cantando com empolgação.

No domingo pela manhã, eu sempre acordava cedo para ouvir a Campina FM e o programa Clássicos Eternos, apresentado por Hilton Mota. Cada semana a temática era variada. E foi assim que gradualmente fui conhecendo a literatura musical de diferentes períodos, autores e estilos, o que só aumentava o meu interesse pela música. (Eu nem imaginava que, anos mais tarde, seria o produtor e apresentador deste mesmo programa.) Em casa, após o almoço, nos divertíamos, eu e a minha irmã mais velha, com o programa Qual é a música?, no qual Sílvio Santos desafiava os participantes com uma gincana musical.

Meu pai também gostava deste jogo. Contudo, preferia ouvir suas músicas, especialmente depois que adquiriu um “três-em-um”, o aparelho de som mais moderno da época. (Este equipamento permitia ler e gravar fitas cassete, sintonizar rádio AM e FM e escutar discos de vinil.) Comumente, ele colocava na bandeja Gal Tropical, Ave de Prata, o primeiro trabalho que Elba Ramalho gravou, e a Arte de Chico Buarque, que ouvíamos deitados no chão duro, frio e de cimento avermelhado, porém aconchegante, da sala da nossa casa. Curiosamente, meu irmão caçula gostava de ouvir Chico Buarque cantando Minha história e falando da pobre mulher que, por não se lembrar de acalantos, o ninava cantando cantigas de cabaré. E ele sorria e pedia para meu pai repetir várias vezes aquele laiá, laiá.

Anos depois, já no início da adolescência, no fim da tarde, quando no alto da Rua das Imbiras os portões da AABB se abriam, avisando que a matinê estava encerrando, corríamos para aproveitar o que restava da festa. Enquanto meus amigos se dirigiam para o salão, onde dançavam e se divertiam, eu me apressava para ficar na lateral do palco, vendo e ouvindo os artistas, grupos que (en)cantavam, como, por exemplo, os Vikings, Som Livre, Ogírio Cavalcante e Trepidants. Hoje é domingo e, como na conhecida canção, lembrei-me, com saudade, daquelas jovens tardes, tantas alegrias, velhos tempos, belos dias.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)

Stabat Mater

2010-09-11T10:40:00.004-03:00

A Igreja Católica comemora a festa de Nossa Senhora das Dores no próximo dia 15 de setembro. Um dos pontos marcantes da celebração litúrgica é o Stabat Mater, uma sequência medieval, de autoria incerta, que aborda o sofrimento de Maria, mãe de Jesus, durante a crucificação. O texto já serviu de base para várias composições, dentre as quais se destacam as de Pergolesi, Rossini, Dvorák, Penderecki e Amaral Vieira.

A primeira versão do Stabat Mater (Op. 229) do compositor paulista Amaral Vieira foi escrita em 1988. A peça é para solistas, coro misto e piano. Na segunda versão (Op. 240), composta em 1989, o compositor substituiu o piano por uma orquestra de cordas. Cada um dos vinte movimentos do Stabat Mater corresponde a uma estrofe do poema homônimo. A obra de Amaral Vieira é tonal, muito embora apresente modulações constantes e abruptas, bem como progressões harmônicas ambíguas, que dificultam o estabelecimento de um centro tonal nos moldes tradicionais. O compositor utiliza tais procedimentos harmônicos para enfatizar os aspectos dramáticos do texto. Além disso, o uso da passacaglia e do basso ostinato, o emprego dos policorais e a forma como o compositor trata o texto retoricamente contribuem para a criação de um ambiente neobarroco. Apesar das evidências, Amaral Vieira evita os estereótipos e explica que sua linguagem musical é diversa, abrangendo múltiplos estilos e técnicas. (Para conhecer melhor o pensamento musical do compositor, sugiro a leitura da entrevista que ele me concedeu e que está publicada no endereço http://www.anppom.com.br/opus/opus13/201/01-Vieira-Silva.htm).

Amaral Vieira concilia tradição e ruptura no seu Stabat Mater de forma muito pessoal e moderna. A sua linguagem harmônica é desafiadora e marcada por progressões incomuns. O simbolismo musical é usado para descrever diferentes afetos e emoções. Os trechos para os solistas, por exemplo, tanto enfatizam o caráter introspectivo do texto quanto representam a dor e a desolação de Maria diante da cruz na qual pendia o seu filho. Brevemente, no endereço http://www.anppom.com.br/anais_banco.php, será publicado o artigo Music and rhetoric in Amaral Vieira’s Stabat Mater, Op. 240, no qual discuto temas relacionados à obra, dentre eles a relação música-texto e como a sintaxe harmônica sublinha aspectos semânticos importantes da narrativa, mostrando, em linhas gerais, o paralelo existente entre a estrutura fundamental da composição (Ursatz) e a estrutura do discurso (Dispositio).

O Stabat Mater de Amaral Vieira representa uma das tendências da literatura coral da segunda metade do século XX. Lamentavelmente, a obra ainda não está publicada, o que tem contribuído para deixá-la à margem das salas de concertos. A peça é tecnicamente viável para a grande maioria das nossas orquestras e coros universitários, que poderiam interpretá-la sem grandes dificuldades, ampliando os seus repertórios, divulgando a música sacra brasileira.

Vladimir Silva (silvladimir@gmail.com)